El artista postimpresionista francés Paul Cézanne influyó de forma importante en el movimiento cubista, dando lugar al nombre de «cubismo cézanniano». Sus experimentos con los planos y las formas, su uso de líneas duras, formas geométricas y perspectivas simultáneas influyeron profundamente en las características estéticas del cubismo.
Cézanne suele reducir sus temas a sus formas geométricas primarias. Así, un árbol era una combinación estratégica de cilindros, y una manzana era una esfera. También experimentó con las reglas de la perspectiva y pintó sus objetos con superficies planas, insinuando la tridimensionalidad de un tema al sugerir múltiples ángulos y puntos de vista a la vez.
El cubismo ceutí
El estilo postimpresionista tardío de Cézanne influyó en las obras pre-cubistas de Picasso y Braque originando el protocubismo, referido a la fase de experimentos artísticos llevados a cabo por ambos entre 1904 y 1907, basado en muchas influencias, incluido el estilo único de Cézanne que trasladaron muchas características postimpresionistas al desarrollo del cubismo, produciendo obras de arte planas, geométricas y angulares, con una paleta de colores terrosos.
Cubismo Analítico
El cubismo analítico se refiere a la primera fase de este, que se desarrolló en Francia alrededor de 1907 y duró hasta 1912. Describe el enfoque analítico de los artistas, pieza por pieza, para representar sus temas. Los sujetos fueron analizados, deconstruidos y reorganizados para que fueran totalmente visibles desde un lado. Esta disección estética de la forma dio lugar a múltiples puntos de vista superpuestos que permitían al espectador ver el tema en su totalidad en un único plano de la imagen.
Surgió en 1907 y consistía en pinturas que hacían hincapié en la superficie plana y bidimensional del plano del cuadro y rechazó las técnicas tradicionales de modelado, escorzo, perspectiva y claroscuro para crear profundidad e ilusión de espacio tridimensional. Los cuadros cubistas analíticos suelen presentar unos colores limitados, compuesta por tonos terrosos y muchas sombras.
Se diferencia de movimientos artísticos anteriores, como el impresionismo, en el que la composición también se fragmenta hasta la abstracción. Los artistas impresionistas utilizaban colores vivos que enfatizaban los efectos de la luz en la naturaleza y el cubismo superponía múltiples ángulos y planos de imagen que hacían que el tema tuviera un aspecto muy poco realista, pero aún así identificable.
Cubismo Sintético
El cubismo sintético fue un movimiento artístico que se produjo en Francia entre 1912 y 1914, y se caracteriza por representaciones planas de objetos cotidianos y composiciones más audaces y simbólicas que su precursor, el cubismo analítico.
Cap de Fernande sobre la muntanya de Santa Bárbara, Pablo Picasso, 1909
Desarrolló la planitud del cubismo analítico incorporando objetos cotidianos a los cuadros. Los artistas pegaron en el lienzo trozos de papel que antes pertenecían a periódicos, papel pintado, etiquetas de botellas y otros objetos efímeros, además de hilos y pintura al óleo. Los colores de los cuadros del cubismo sintético siguen siendo limitados, pero no es tan monocromática como los esquemas de color populares en la pintura cubista analítica.
Muchos historiadores del arte, reconocen al artista Juan Gris, como una figura fundamental en la evolución del cubismo analítico al cubismo sintético.
A diferencia del proceso deconstructivo del cubismo analítico, los artistas que trabajaban en el estilo del cubismo sintético representaban el tema elegido, normalmente objetos y personas reales, mediante una combinación de materiales cotidianos y pintura al óleo.
Los colores utilizados en el arte cubista sintético son variados y más vibrantes que los del cubismo analítico. Los neutros y terrosos del cubismo analítico evolucionaron para incluir colores más atrevidos y formas sencillas, al tiempo que se mantenían los puntos de vista superpuestos que ya eran fundamentales en las obras cubistas. El cambio hacia el color atrevido y sin mezclas que se observa en el cubismo sintético se considera a menudo un precursor de las obras de arte sencillas pero vibrantes del movimiento del arte pop.
El papier collé, la técnica del papel pegado que hoy conocemos como collage, también surgió del cubismo sintético. El método de pegar trozos de papel sobre una superficie plana, como un lienzo, fue utilizado a menudo por los cubistas para confrontar al espectador con trozos reales de la realidad. La conexión con la realidad fue especialmente importante durante esta época, ya que reflejaba una visión crítica de una sociedad que cambiaba rápidamente y de una guerra mundial inminente.
Combinando materiales artísticos tradicionales con trozos de objetos del mundo real, los cubistas demostraron cómo introducir elementos físicos en la pintura y sintetizarlos en un nuevo estilo podía influir en generaciones de artistas posteriores. La técnica del papier collé amplió la definición de arte al introducir la técnica mixta en el mundo del arte moderno.
El comentario político crítico del cubismo sintético también influyó en los movimientos artísticos que surgieron durante las dos guerras mundiales y la posguerra. Las formas facetadas y multidimensionales del cubismo influyeron directamente en muchos artistas del siglo XX y en movimientos artísticos modernos como el dadaísmo, el surrealismo, el futurismo, el suprematismo, el constructivismo y De Stijl.
Los máximos exponentes del cubismo fueron Braque, Picasso, Juan Gris, Léger, María Blanchard o André Lothe. En España destacan los artistas Juan Gris y María Blanchard.
La ventana abierta.
El pianista, 1919
Cubismo vs. Surrealismo
El cubismo y el surrealismo están llenos de objetos familiares que parecen extraños o misteriosos porque desafían nuestra percepción del mundo que nos rodea. Ambos movimientos atravesaron dos fases significativas que marcaron una evolución en el estilo y la técnica, concibieron la realidad de una manera nueva o alternativa y contenían elementos de abstracción, tanto intencionados como involuntarios.
Aunque el cubismo y el surrealismo comparten muchas similitudes, sus influencias son muy diferentes. El surrealismo recurre al ilusionismo, mientras que el cubismo lo rechaza por completo. El cubismo también fue conocido como movimiento de artes visuales, mientras que el surrealismo, más conocido como movimiento artístico, formaba parte de un movimiento cultural más amplio en respuesta a la segunda guerra mundial que incluía el cine y la literatura.
Aunque el cubismo y el surrealismo no tuvieron una influencia clara o directa entre sí, estos famosos movimientos artísticos de vanguardia estuvieron estrechamente relacionados con movimientos coexistentes como el dadaísmo y el postimpresionismo. Muchos artistas dadaístas, cubistas y postimpresionistas, como Frida Kahlo y Salvador Dalí, se adentraron en el cubismo antes de encontrar sus raíces en los movimientos que los definen. Aun siendo un afamado cubista, gran parte de la obra de Pablo Picasso a lo largo de la década de 1920 incorpora características del surrealismo y su estilo cambió a lo largo de las muchas décadas de esta carrera artística.
Cubismo vs. Futurismo
El futurismo fue un movimiento artístico moderno que comenzó en Italia a principios del siglo XX. Celebra el dinamismo de la vida moderna, los avances tecnológicos, la juventud y la violencia. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti fundó el futurismo en las artes visuales y en 1909, Marinetti anunció el nacimiento del movimiento en su Manifiesto Futurista. Los pintores italianos Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Giacomo Balla y Gino Severini, también fueron figuras clave del movimiento. Fue también popular en Rusia. Al igual que el cubismo, el futurismo se disolvió con la llegada de la Primera Guerra Mundial, pero más tarde fue recuperado brevemente por Marinetti.
El cubismo y el divisionismo influyeron en el futurismo y muchos cuadros futuristas parecen tener cualidades estilísticas similares a las del cubismo y el divisionismo. Sin embargo, los artistas futuristas buscaban una composición más dinámica que la del cubismo. Los futuristas se inspiran en el progreso tecnológico y pretenden transmitir su emocionante energía. Los nuevos desarrollos científicos, como los ágiles automóviles, los pujantes aviones y los trenes de alta velocidad, alimentaron el deseo de los futuristas de incluir entre sus temas a ciclistas de carreras, aviones e incluso personas en movimiento.
A pesar de querer diferenciarse de los cubistas, los artistas futuristas se basaron en la técnica cubista de mostrar múltiples puntos de vista de un objeto en el mismo cuadro utilizando planos fragmentados. Los pintores futuristas mezclaban capas de pintura transparentes y opacas para superponer las distintas posiciones de un sujeto en movimiento y crearon la ilusión de movimiento mediante pinceladas repetitivas en la pintura y formas repetidas en la escultura. El resultado de estas técnicas fue una obra de arte dinámica y enérgica cuyos sujetos parecían estar en constante movimiento.
Los colores futuristas eran mucho más brillantes y vibrantes que los del cubismo. La influencia del cubismo y el divisionismo se aprecia en los colores rotos y las breves pinceladas del futurismo, que a menudo aparecen como campos de rayas y puntos punteados.
